中国画是怎么演变的？
先放结论，简言之：汉代绘画“尚势”，魏晋南北朝开始“尚骨”“巧”，唐代由“尚骨”转向“尚韵”，宋代“尚意”，元代“尚简”，明清“尚态”——具体说说每个朝代的情况，在论述中会穿插这个阶段最具代表性的画家和他们的作品。
一、汉代——尚势 汉代的画像石和画像砖数量巨大，内容多表现神话传说和巫术礼仪，由于年代久远，存世大多为残片断简，风格上也因材质的限制而以粗犷为美。但这一时期的人物画已经具备了轮廓描摹和填色渲染的手段，风格上亦呈现出一种“满”的气象，这似乎与我们今天观看传统中国绘画的感觉大相径庭，不过如果你看到了明代唐伯虎的一幅水墨山水，或者是清初“四王”中的一王的作品，那种感觉立刻就会重现。所以可以这么说，汉赋晋诗风骨还在，但是韵已经淡了；唐宋文采还在，但是意已经浅了。只有汉代虽然质缺但气势却非常足。
二、魏晋南北朝——尚骨 魏晋南北朝是中国历史上一个格外崇尚清谈的时代，社会风气也是文人气息十足。这个时期的绘画受到了文学（尤其是散文）的影响，人物画的线条和笔墨都追求自然流畅，而且有了透视法的借鉴（可能源自西域或阿拉伯），景物的构图和远近关系都很讲究。但是这个阶段人物的肢体语言依然比较刻板少变化，而且为了追求“骨法用笔”，常常故意暴露筋骨于外，看上去很像瘦金体书法里侧卧的鱼钩，或者剑齿虎的牙齿。另外，人物衣纹出现了“折芦”的方法，即把一根线分为若干段，每一段的形状都不一样，用以模仿衣服的褶皱。这个阶段最为典型的代表是顾恺之。
三、隋唐——尚韵 到了隋唐时代，经济繁荣，文化开放，绘画也进入了一个全盛时期。这个时期的画风仍然受到魏晋风度的影响，注重文雅，但是却更讲究韵致韵味。线条依旧是很重要的笔法，但这个时候的人物已经不会刻意去追求所谓的“骨法”，而是自然生动为准则，所以会出现唐玄宗赏孙位而怪他的笔画太疏的情形。这个阶段最注重的是构图和造型，所以在笔墨上会有针对性的进行锤炼，所谓“墨分五色”的说法大概就是这个时期出现的。这一时期的外来影响除了来自西域的透视法和建筑模数（用于计算景物距离和大小）还来自日本。因为日本在中国唐朝的时候进行大规模的文化汲取，包括美术领域的吸收。所以日本的寺庙建筑和雕塑往往跟中国唐朝的风格很接近。
四、宋元——尚意 宋朝是一个重文轻武的年代，从太祖黄袍加身开始，历代皇帝都很尊重文人（尽管宋徽宗时发生过文官领兵权、文臣知州事这样特例，但这已经是亡国之后的事了）。因此这个时期的绘画受人文思潮影响最大，“书画同体”“书如其人”“画如做人”的观念开始出现并且得到发扬。绘画不仅注重审美更强调抒情达意，于是笔墨情趣和意境成为比形准更为重要的审美标准。在这一传统的形成过程中最重要的两个里程碑式的事件是“荆浩出，关仝继”以及“李成重，郭熙辈”。
五、明清——尚态 明末清初的绘画在继承宋元传统的基础上又有所转变，最主要的特征是“态”“趣”的出现。所谓“态”是指作画的姿态，明朝中叶以后许多画家不再严格遵循前人技法进行作画，而是在有笔意的框架内自由的发挥，所以画面上的细节和整体都呈现出一种活泼潇洒的状态。“趣”则是趣味，在这个追求“态”的过程中，人的性情趣味必然会显露出来，于是“趣”就成了一个衡量标准的概念。明末清初的绘画在传承元代笔墨精妙的基础上更凸显自己的个性色彩。最具有代表性的是“青藤白阳”。